솔직히 저는 이 영화를 처음 봤을 때 "여자 꼬시려고 밴드 만드는 이야기"쯤으로 생각했습니다. 그런데 엔딩 크레딧이 올라갈 무렵, 제가 꽤 오래 멍하니 화면을 바라보고 있었다는 걸 뒤늦게 깨달았습니다. 싱 스트리트는 1985년 더블린을 배경으로 소년이 음악을 통해 자신의 꿈과 정체성을 찾아가는 성장 영화입니다. 로튼 토마토 신선도 95%, 국내 관객 56만 명을 돌파하며 입소문으로 오래 사랑받은 작품이기도 합니다.
1985년 더블린, 꿈을 꾸기 어려운 시대
이 영화를 제대로 즐기려면 배경부터 알아두는 게 좋습니다. 1985년 아일랜드는 실업률이 17%에 육박하던 시기였습니다. 실업률이란 일하고 싶지만 일자리를 구하지 못한 사람의 비율을 뜻하는데, 17%면 대략 다섯 명 중 거의 한 명 가까이가 직업이 없다는 이야기입니다. 영화 초반 뉴스 장면에서 수많은 청년들이 일자리를 찾아 아일랜드를 떠나는 모습이 나오는 이유가 여기 있습니다.
이런 사회적 맥락이 코너 가족의 이야기와 맞닿아 있습니다. 집안 형편이 나빠지면서 코너는 다니던 학교를 그만두고 싱 스트리트 크리스천 브라더스 스쿨로 전학을 갑니다. 제가 직접 영화를 보면서 느낀 건, 이 학교 장면들이 단순한 배경이 아니라 당시 아일랜드 사회 전체의 축소판처럼 기능한다는 점이었습니다. 가톨릭 수사가 학생을 구타하고, 교실에서 담배 연기가 피어오르고, 프랑스가 어디에 있는지 모르는 학생들. 이게 과장이 아니라 당시의 현실에 가까웠다는 사실이 영화를 보고 나서 더 씁쓸하게 다가왔습니다.
감독 존 카니는 이 학교의 실제 재학생이었습니다. 영화에 등장하는 싱 스트리트 크리스천 브라더스 스쿨은 실존하는 학교이고, 심지어 교표와 교훈 "Veriliter Age"까지 그대로 가져왔습니다. 그래서인지 이 영화의 배경 묘사는 단순한 복고 취향이 아니라 직접 경험에서 나온 질감이 있습니다. 저는 이 점이 원스나 비긴 어게인과 싱 스트리트를 구분 짓는 가장 큰 차이라고 생각합니다.
음악이 성장을 이끄는 방식, 그리고 엇갈리는 시선들
싱 스트리트의 핵심은 뭐니 뭐니 해도 음악입니다. 그런데 이 영화에서 음악이 작동하는 방식이 조금 독특합니다. 코너는 처음에 듀란 듀란의 Rio를 커버하는 것으로 시작합니다. 커버곡이란 기존에 발표된 곡을 다른 아티스트가 다시 연주하거나 녹음한 버전을 의미합니다. 형 브랜든은 이 커버를 듣고 "여자를 꼬시려면 직접 곡을 써라"고 조언합니다. 이 순간이 영화 전체의 분기점입니다.
그 이후 코너가 만드는 곡들은 단순히 라피나를 향한 구애 수단이 아니라 자신의 감정과 현실을 담는 그릇이 됩니다. The Riddle Of The Model, Up, A Beautiful Sea, Drive It Like You Stole It, 그리고 백스터 수사를 통렬하게 디스하는 Brown Shoes까지. 각 곡이 나올 때마다 코너의 상황과 감정이 반영되어 있어서, OST를 따로 들으면 영화 전체의 감정선이 복원되는 느낌입니다.
여기서 오리지널 스코어(original score)라는 개념을 잠깐 짚고 싶습니다. 오리지널 스코어란 영화를 위해 새로 작곡된 음악을 의미하는데, 싱 스트리트는 극 중 밴드가 실제로 만드는 곡들이 동시에 오리지널 스코어 역할을 합니다. 이중 구조가 영화를 보는 내내 자연스럽게 작동합니다. 일부에서는 "음악적 성장 속도가 너무 빠른 것 아니냐"는 의견도 있는데, 저는 이 부분을 현실성의 문제가 아니라 영화적 시간 압축으로 받아들이는 편이었습니다. 어차피 이 영화는 다큐멘터리가 아니니까요.
싱 스트리트가 특별한 이유를 좀 더 구체적으로 정리하면 다음과 같습니다.
- 음악이 플롯을 이끄는 동시에 캐릭터의 내면 변화를 직접 표현하는 수단으로 기능함
- 80년대 포스트 펑크(post-punk), 뉴웨이브(new wave) 사운드를 자연스럽게 녹여내며 당시 시대감을 재현함
- 형 브랜든이라는 캐릭터가 코너의 거울 역할을 하며 "꿈을 포기한 사람"과 "꿈을 향해 나아가는 사람"을 대비시킴
여기서 포스트 펑크와 뉴웨이브는 1980년대 영국과 아일랜드에서 유행한 음악 장르를 가리킵니다. 포스트 펑크는 펑크 록의 반항 정신을 이어받으면서도 실험적인 사운드를 더한 장르이고, 뉴웨이브는 신시사이저 등 전자악기를 적극 활용한 팝 성격의 장르입니다. 영화에 등장하는 듀란 듀란, 아-하, 더 큐어 같은 밴드들이 대표적인 뉴웨이브 아티스트입니다.
제가 직접 보면서 가장 인상 깊었던 장면은 Drive It Like You Stole It 뮤직비디오 촬영 시퀀스입니다. 코너가 노래를 부르면서 자신이 바라는 행복한 미래를 상상하는데, 그 상상이 끝나고 현실로 돌아올 때의 공기가 너무 명확하게 달라서 잠깐 멍했습니다. 이 장면 하나만으로도 영화가 말하고자 하는 것이 충분히 전달된다고 느꼈습니다.
열린 결말이 남긴 것, 희망인가 불안인가
영화의 마지막은 코너와 라피나가 작은 배를 타고 웨일스를 향해 떠나는 장면입니다. 이 열린 결말(open ending)을 두고 시선이 엇갈립니다. 열린 결말이란 이야기가 명확한 결론 없이 독자나 관객의 해석에 맡겨진 채 끝나는 방식을 의미합니다.
"청춘의 용기와 희망을 보여주는 아름다운 마무리"라고 보는 분들이 많고, 저도 처음에는 그렇게 받아들였습니다. 그런데 다시 생각해보면 항해 중에 몰아치는 비바람 장면이 마냥 낭만적이지만은 않습니다. 포트폴리오와 데모테이프만 들고 런던으로 떠나는 10대 두 명의 앞날이 녹록지 않을 것임을 영화도 알고 있다는 인상입니다. 라피나가 코너에게 했던 말, "사랑은 행복한 슬픔"이라는 표현이 결말에서 다시 떠오르는 이유가 여기 있습니다.
실제로 존 카니 감독 본인도 이 영화를 자신의 학창 시절을 바탕으로 만들었다고 밝혔는데, 그렇다면 이 결말에는 "그 시절 그렇게 떠나지 못한 사람들"에 대한 이야기도 담겨 있는 것 아닐까 싶었습니다. 영화 말미 자막에는 "For Brothers Everywhere"라는 헌사가 나옵니다. 꿈을 좇지 못하고 머물러야 했던 형 브랜든 같은 존재들에게 바치는 글이라고 저는 읽었습니다.
한편, 80년대 청춘 영화의 내러티브 구조(narrative structure)와 싱 스트리트를 비교해보면 흥미로운 지점이 있습니다. 내러티브 구조란 이야기를 구성하는 사건의 배열 방식을 뜻합니다. 비슷한 시대를 배경으로 한 청춘 영화들이 갈등을 비교적 깔끔하게 해소하는 방향으로 끝나는 것과 달리, 싱 스트리트는 해결되지 않은 질문을 남기며 끝납니다. 영화 연구 분야에서도 이러한 열린 결말 방식은 관객의 능동적 참여를 유도하는 기법으로 평가됩니다(출처: 한국영화학회).
로튼 토마토 기준 신선도 95%라는 수치는 이 영화가 비평적으로도 폭넓게 인정받았다는 근거입니다(출처: 로튼 토마토). 단순히 "기분 좋은 영화"라는 평가를 넘어, 시대와 음악과 성장 이야기를 꽤 정교하게 엮어낸 작품이라는 것이 전문가와 관객 양쪽에서 인정받은 셈입니다.
싱 스트리트는 보고 나면 OST를 찾아 듣게 만드는 영화입니다. 저는 Drive It Like You Stole It과 To Find You를 꽤 오랫동안 반복해서 들었습니다. 청춘 영화를 좋아하거나 80년대 뉴웨이브 음악에 관심이 있다면, 한 번쯤 시간을 내서 볼 만한 작품입니다. 다만 "현실적인 갈등 해결과 묵직한 드라마"를 기대하고 본다면 다소 가볍게 느껴질 수 있다는 점도 솔직히 말씀드립니다. 그 가벼움 자체가 이 영화의 의도일 수 있지만, 그렇게 받아들이느냐는 결국 보는 분마다 다를 것 같습니다.
참고: https://namu.wiki/w/%EC%8B%B1%20%EC%8A%A4%ED%8A%B8%EB%A6%AC%ED%8A%B8